cine

Una tassa de cafè amb llet (un minidoc de Núria Campabadal)

UNA TASSA DE CAFÈ AMB LLET, un minidoc realizado por Núria Campabadal, miembro de Enmedio.

Desde su pequeña revista local, con muy pocos medios y utilizando las redes sociales, Marta y Albano logran difundir su investigación de dos años que descubre la mala gestión y el desvío de fondos públicos en la Sanidad catalana. Mientras el gobierno recorta servicios básicos en la sanidad bajo la excusa de que no hay dinero, la investigación de Cafè amb Llet pone de manifiesto que no es la falta de fondos, si no la opacidad y la mala gestión la que permite casos de corrupción y malversación que benefician a una élite de políticos y empresarios en detrimento del resto de ciudadanos.

Última semana de "Cinekiubs" en Enmedio.

“Cinekiubs” llega a Enmedio

Fronteras mentales, Fronteras impuestas

29 de septiembre a 14 de octubre

El ciclo de cine contemporáneo mexicano “Cinekiubs: Fronteras mentales, fronteras impuestas” se inició en noviembre de 2009 en el Municipio de Zapata, Morelos (México); desde entonces, no ha dejado de girar por un sinfín de ciudades y museos mexicanos (Cuernavaca, Jiutepec, Tepoztlán, Mazunte, Oaxaca), también se ha presentado en Hungría, en la ciudad de Budapest. Ahora el Cinekiubs llega a Enmedio de la mano de Alejandra Juariste.

 

Cinekiubs (1ª sesión)

Jueves 29 de septiembre de 2011 a las 20:00 h. en Enmedio

 

1) Un Sueño Mexicano

(2010) Yair Ponce, Documental, 25 min.

Una voz en off, la de de Roberto Salazar, relata su propia migración a los Estados Unidos, su regreso a México para recoger a su hijo, y en qué consiste su actual modo de vida. Mientras tanto, un espacio a medio camino entre lo ajeno y lo cotidiano, una escenografía norteamericana habitada por personajes mexicanos, se nos presenta permitiéndonos seguir a varios personajes en paralelo: el mismo Roberto y su hijo José; cuatro hermanos que trabajan en la misma compañía de pintura; y a la familia Salas Saucedo (padre, madre, hijas).

2) El Varal (2009)

Marta Ferrer, Documental, 75 min.
Para este pase contaremos con la presencia de la directora, Marta Ferrer.

En medio del bajío mexicano, El Varal celebra su fiesta patronal. Pero al terminar la algarabía, el rancho regresa al vacío de sus calles, a la ausencia de los familiares migrados a Estados Unidos y vemos como los pocos agricultores que quedan trabajan sus tierras con nostalgia y dificultad. Los jóvenes se alimentan del contradictorio sueño americano, mientras que el resto trabaja en tres maquiladoras instaladas recientemente. Este círculo vicioso, se entreteje en la cotidianeidad de los habitantes de El Varal.
Ver tráiler

 

Cinekiubs (2ª sesión)

 

Jueves 6 de octubre de 2011 a las 20:00 h. en Enmedio

3) Los Herederos 
México (2008),

Eugenio Polgovsky, Documental, 90 min

En una sucesión de procesos que se suceden y se intercalan, Los Herederos, nos muestra las labores que realizan niñas y niños en diversas comunidades indígenas de México. De esta manera, la cámara los registra cortando y cargando leña, pastoreando, alimentando animales, cosechando caña, jitomate, chile y frijol, cocinando, picando piedra, sembrando maíz, cargando agua, trabajando como peones, elaborando alebrijes, hilando, etcétera.
Estas niñas y niños, no van a la escuela, son parte de la fuerza laboral que mantiene a sus familias y comunidades, trabajan en cuanto pueden hacer algo por su cuenta, según sus capacidades. Lejos de tomar parte y mostrar la situación bajo alguna óptica, la cámara se vuelve un ojo observador, silencioso, detallista. La producción apuesta a la reflexión personal que pueda tener la audiencia, al ser expuesta al poder de las imágenes. Así, con ausencia de diálogos, a excepción de ocasionalmente algunas expresiones costumbristas; los testimonios son las labores, los movimientos, la habilidad manual, las miradas, la cotidianidad. Bajo esta situación, se plantea el contrapunto de viejos agotados y desgastados que como pueden siguen trabajando y siendo útiles.
En este contexto, la jornada laboral es una constante en la vida de estas personas, la red familiar y social se basa en el trabajo. Sin mostrar una posición clara a este respecto, el documental logra mostrar olvido, injusticia y reclamo expresada en las caras y las manos. Estas mismas expresiones, denotan el aferramiento a la vida y a la pertenencia cultural, su herencia.

 

Cinekiubs (3ª sesión)

 

viernes 7 de octubre de 2011 a las 20:00 h. en Enmedio

4)Relatos desde el encierro

México 2004, Guadalupe Miranda, Documental, 78 min

Con una compenetración profunda, Relatos desde el encierro presenta la situación de cautiverio de las mujeres presas en Puente Grande, Jalisco. Estas mujeres reclusas con gran naturalidad montan coreografías, sonríen, juegan, se arreglan amorosamente antes de la visita conyugal; hablan del amor, el sexo, el encierro y la maternidad. Algunas viven solas el cautiverio, otras esperan con ansiedad y emoción el día del encuentro familiar, momento crucial de contacto con el exterior.
Bajo un acercamiento íntimo, Guadalupe Miranda retrata una reinterpretación del concepto Libertad; donde para aquellas que cumplen una pena, se vuelve sumamente relativo. Los testimonios e imágenes se suceden en conocer su idiosincrasia, en su visión del mundo, abriendo la puerta para almas libres en su expresión, en sus sentimientos y ganas de compartirlo. La producción no hace de lado la realidad de severos cuadros depresivos: ansiedad, insomnio y fobia al encierro son síntomas que se suceden en las historias personales. Así como también denuncia la situación del parcial sistema de justicia que impera en México.

 

Cinekiubs (4ª sesión)

 

Jueves 13 de octubre de 2011 a las 20:00 h. en Enmedio

5) Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo,

México 2008, Yulene Olaizola, Documental, 83 min

Bajo una aproximación realmente íntima, Yulene Olaizola, prácticamente invade la casa de su abuela: Rosa Elena Carbajal, para rastrear sutilmente una historia que encierran tanto los muros del lugar como la memoria de Rosa. La propiedad, ubicada precisamente en la esquina que forman las calles de Shakespeare y Víctor Hugo en la colonia Anzures, funcionó por un largo tiempo como casa de huéspedes, y entre los inquilinos habitaba uno en particular: Jorge Riosse, presuntamente Jorge Ríos, quien también se hizo llamar esporádicamente Jorge Rossenberg y Jorge Cariño. Con algún tiempo de muerto al momento del rodaje, Jorge se muestra como un personaje altamente intrigante, de extraña genialidad.
A través de los testimonios de la abuela, de Flor, quien ayuda en la casa, de José Ángel, su antiguo compañero de cuarto, de Israel Vega, amigo de la colonia, y con una meticulosa interpretación de materiales como: audiocassettes, escritos, fotografías, dibujos y pinturas; se va mostrando un Jorge que tenía dotes encantadores de poeta, filósofo, músico, pintor e instructor de modales y comportamiento en sociedad, todas adquiridas de una manera autodidacta. Sin embargo, paralelamente, va surgiendo otro Jorge, uno más oscuro, que empieza por el planteamiento de ser una persona sin pasado, sin familia, sin amistades externas, quien rara vez salía al exterior, sin trabajo pero con suficiente dinero para pagar su pensión. Esta condición se va intrincando gradualmente, hasta redibujar esa primera impresión hacia una persona con graves problemas psicológicos, quien tenía dudosas actividades nocturnas en la ciudad, para finalmente develar una macabra realidad, relacionada directamente con el inquilino y la catarsis que esta circunstancia propició.
Yulene Olaizola, realiza esta producción con un gran empeño detallista, se vuelve una curiosa exploradora en la casa antigua de su abuela. No tiene reparos en mostrarnos en pantalla una gran cantidad de recuerdos, que se muestran tanto en su valor sentimental como en su relación con el caso; algunos conexos con ella misma, creando así pequeños autorretratos audiovisuales. Su búsqueda se vuelve contemplativa, dejando de vez en vez algunos puntos suspensivos que le dan aún más interés a la trama.

 

Cinekiubs (5ª sesión)

 

viernes 14 de octubre de 2011 a las 20:00 h. en Enmedio

6) Los Últimos Zapatistas, Héroes Olvidados,

México 2001, Francesco Taboada, Documental, 70 min

Francesco Taboada, haciendo caso omiso de quien le dijo que ya no existían y en un esfuerzo por rescatar historia viva, se va a buscar por Morelos a los últimos zapatistas vivos. La realización nos muestra el poder y la fuerza del testimonio. La capacidad de los doce viejos zapatistas (todos de alrededor de 100 años) de transmitir sus vivencias es imponente. De esta manera, nos cuentan emocionados, vívidamente como sufrieron atropellos por parte del gobierno, de como eran despojados, lacerados, llevados a otras regiones en las levas, y de cómo tuvieron que unirse a las fuerzas de zapata para intentar cambiar tan miserable situación.
La pasión que estos viejos desbordan por su lucha y el respeto que muestran al general y sus ideales, nos comprometen a escuchar lo que nos tengan que decir y a hacer el invaluable ejercicio de la memoria. Simpáticos, pero dignos y orgullosos, son también huesos duros de roer y maestros que nos hacen entender nuestra identidad. Su denuncia nos la hacen sentir vigente, se sabían olvidados, y a la vez saben que no son sólo ellos sino también su entorno y su realidad.

 

Y para cerrar el ciclo CineKiubs,
Chamito Sound
14 de octubre de 2011, a las 21:30 en Enmedio

Tras la proyección de Los últimos zapatistas – Héroes olvidadosquédate a disfrutar con nosotros de un pequeño concierto de la mano de Chamito, que nos presentará su último disco, La Ofrenda, herencia de la sazón mexicana.
Ambiente de banda de pueblos mexicanos, reggae, música folklórica venezolana y alegria cubana son el olor, sonido y sabor de La Ofrenda, que más que un disco, es para Chamito un diario de viaje escrito mientras los kilometros se acumulaban y nuevas caras llegaban en su viaje por México. Guitarras dulces y alegres, trompeta, trombón, acordeón y letras llenas de frescura y compromiso son la banda sonora de esta ofrenda.

Estamos cansados de mirar, hoy queremos vivir la imagen. (Entrevista a Leónidas Martín)

Fuente original: Público (descargar PDF)
Publicación Digital original: Fuera de Lugar
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Hablas de que las imágenes políticas se encuentran en un atolladero, ¿podrías explicarlo?

El atolladero al que me refiero es el toma y daca constante de apropiaciones y reapropiaciones entre el mercado y la creatividad social. El mercado lanza una imagen, la gente se reapropia de ella y le da otro sentido; un movimiento social produce un símbolo, el mercado lo captura después para vender un producto, etc. Ninguna imagen tiene un significado absoluto y acabado en sí mismo, la construcción de sentido es un juego y una lucha infinita donde no hay una frontera clara entre productores y receptores.

Todo lo que antes vivíamos directamente se ha convertido en espectáculo, decían los situacionistas.

Desde la Internacional Situacionista hasta la Escuela de Frankfurt, en la historia reciente del pensamiento crítico ha predominado la lectura más pesimista del fenómeno. Bajo este punto de vista, el capitalismo es como un vampiro que nos ha chupado toda la sangre y se ha apoderado de nuestra vida entera. Toda acción humana ha sido convertida en producto y se ha puesto a circular en la cinta transportadora del mercado. Eso nos ha reducido a meros espectadores pasivos con una sola posibilidad de acción: el consumo. Pero yo no comparto esa visión, demasiado derrotista y unilateral. También la gente roba y usa las imágenes que el mercado ha robado previamente a la gente.

¿Podrías darnos ejemplos concretos?

Un movimiento reciente en España se llamaba V de Vivienda en referencia al cómic y la película V de Vendetta, la red internacional Anonymous usa la máscara popularizada por la misma película a modo de símbolo, grupos palestinos acometen acciones de desobediencia civil enfundados en disfraces de Na’vi, los personajes de Avatar, algunos hackers defienden la libertad en la Red imaginándose en Matrix, etc. Si los realistas franceses del siglo XIX proponían “pintar lo que se ve”, estas experiencias a caballo entre la imagen y el activismo proponen “hacer lo que se ve”. Estamos cansados de mirar, hoy queremos vivir la imagen.

Este domingo Anonymous convoca protestas físicas y virtuales en los premios Goya.

El fenómeno Anonymous es fascinante. Cuando Anonymous tumbó las webs del Ministerio de Cultura y de la SGAE, Matías Prats comentó: “hasta ahora, algo así tan sólo lo habíamos visto en películas de ciencia ficción”. De alguna manera tenía razón. Por supuesto que las sentadas virtuales, o sea, que un grupo de personas se organice para visitar un mismo sitio web a la vez con la intención de provocar su colapso, no es nada nuevo, eso lleva practicándose casi desde los orígenes de Internet; sin embargo, que una red social sin nombre y sin rostro, o mejor dicho, con un falso rostro, se apropie del imaginario de un cómic y una película (V de Vendetta) y obligue a éste a actuar bajo sus mandatos, eso no se había visto tanto. Es casi como un ejercicio de posesión: entrar en otro cuerpo y operar bajo su apariencia. Bajo su imagen, en este caso. Por si esto fuera poco, el fenómeno está creciendo exponencialmente y cada vez son más los que están participando en sus acciones. Ejemplo de ello es lo que dices: la próxima convocatoria de Anonymous ya no se limita a la Red, se llevará a cabo este domingo frente a la gala de los Goya. ¿No es increíble? Cuerpos reales sin nombre alguno que, parapetados bajo una ficción, hacen un llamamiento contra la gala de los que dicen ser los autores de esas mismas ficciones, las que empiezan a rebelarse contra ellos. Autores de ficciones contra ficciones sin nombre.

¿Se trata de un uso crítico del cliché?

No, todo lo contrario. Lo que hace un estereotipo es presentarnos las cosas como algo ya visto y ya vivido. Nos distancian de todo, nos impiden conectar con el sentido auténtico de las cosas. Un cliché evita que el mundo nos afecte. Cancelan por tanto la posibilidad de acción, porque cuando todo se vuelve déjà vu resulta imposible identificarnos con nada de lo que hacemos o miramos. Los estereotipos nos vuelven cínicos: gente que ya lo sabe todo, que ya lo ha visto todo y que no se cree nada. Por el contrario, y contra todo pronóstico, estos movimientos realizan la operación inversa: abren posibilidades de subversión identificándose completamente y sin distancia crítica con algunas de las imágenes-cliché que nos ofrece el mercado.

¿Pero cómo es posible usar un cliché contra el poder de los clichés?

Cuando hablamos de vivir la imagen, más que en el artista o productor de imágenes tenemos que fijarnos necesariamente en el espectador. El espectador es alguien más libre de lo que suelen pensar las corrientes críticas. Una imagen nunca puede representarlo todo, es el espectador el que añade o complementa aquello que “falta” en una imagen. Proyectamos sobre una película o una imagen más datos que los que la propia imagen contiene. Lo hacemos a partir de nuestros saberes, de nuestra experiencia y de las imágenes previas que tenemos en la cabeza. Como explica Jacques Rancière, ver, mirar, es un acto de comparar: comparas lo que ves con lo que ya has visto y de ahí sale una interpretación, siempre “desmesurada” o “abusiva”. Y yo añado que en estas interpretaciones desmesuradas, existe un potencial para la acción política.

¿Qué aporta concretamente ese potencial?

Por ejemplo, el recurso a referencias tan populares como Avatar o V de Vendetta hace a los movimientos sociales mucho más abiertos e incluyentes. Al menos en dos sentidos. Por un lado, esa identificación ligera, cómica y desdramatizada con las imágenes-cliché logra descargar de seriedad la acción, incluyendo así a los que aprecian la dimensión placentera de una movilización y huyen de la política como sacrificio de la vida entera por una causa. Por otro lado, la identificación colectiva con un icono cultural abre espacios no codificados en términos ideológicos (izquierda y derecha). Este potencial crea, en definitiva, lo que algunos venimos llamando movimientos “post-políticos”, espacios de anonimato sin contornos identitarios o ideológicos claros, que se cuidan mucho de evitar las etiquetas mediáticas o políticas que definen, dividen, estigmatizan o criminalizan.

¿Estamos ante una nueva estrategia comunicativa o política?

No lo pienso así. A diferencia del arte político, estos movimientos usan el imaginario existente sin ninguna premeditación. Lo hacen muy espontáneamente, sin conciencia, táctica o dirección. Es como ese viejo chiste en el que van dos amigos andando por la calle y leen el letrero de una tienda que dice: “Aceros inoxidables”. Entonces se miran el uno al otro y se dicen: “¿nos hacemos?” Pues algo así sucede con estas experiencias: una interpretación desmesurada origina una identificación colectiva que abre un espacio posible para la acción política. En este sentido, no se trataría tanto de resolver aquello que se preguntaba Lenin: “¿qué hacer?”, sino, ante una mirada compartida, de preguntarnos como en el chiste: “¿nos hacemos?”

México: El otro Bicentanario (ciclo de cine)

CICLO CINE DEBATE.  MEXICO: EL OTRO BICENTENARIO

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9 de julio – Corazón del Tiempo

23 de julio – La Ley de Herodes

30 de julio – Un Mundo Maravilloso

LUGAR: Espai Jove La Fontana, Gran de Gràcia 190-192 (MTRO Fontana)

viernes 9, 23 y 30 de julio a las 18:30.

Crisis de representación y guerrilla (I)


Una guerrilla urbana nacida en el seno de un movimiento pacifista; un ejército de liberación nacional surgido de entre las cinco etnias indígenas no reconocidas por la constitución del país. ¿Están relacionadas estas paradojas políticas con la crisis de la representación? ¿En qué sentido? “Crisis de representación y guerrilla” es un nuevo ciclo de películas que persigue dar respuestas a estos interrogantes.

Jueves 3 | 20hs.
The Weather Underground

En este documental los directores Sam Green y Bill Siegel (nominado al Oscar) analizan la trayectoria de The Weather Underground, un grupo de activistas estadounidenses que en los años 60, tras varios años de lucha pacifista contra la guerra del Vietnam, decide escindirse del SDS (Students for a Democratic Society) y pasar a la lucha armada.

Conformado en su mayoría por estudiantes universitarios blancos, este grupo llevó a cabo una serie de atentados contra objetivos simbólicos del gobierno estadounidense de la época.  Bajo la premisa de no provocar daño físico a ningún ser humano, defendían, tal y como expresaba su slogan (Bring the War Home), trasladar y hacer patente la guerra del Vietnam en su propio País, los Estados Unidos de América.
Más de 15 bombas en diferentes localizaciones, desde el edificio del Capitolio en Washington hasta varias comisarías de policía, hicieron activar a alarma del FBI quien llegó a crear una comisión específica con la intención de capturarlos vivos o muertos.
En esta sesión de los Jueves Enmedio nos acercaremos a esta experiencia activista con la intención de pensar, juntos, los límites de la representación política, así como los de la lucha armada.

Ven, ponte Enmedio.

Romper los límites del control (Notas sobre The Limits of Control de Jim Jarmush)

Leónidas Martín Saura

limits-hunter-440x652Hace unos días, estando en Alemania, una amiga me invitó al cine. Fuimos a ver la última película de Jim Jarmush: The Limits of Control.
Aun tratándose de uno de los cineastas actuales que más aprecio, poco, por no decir nada, conocía acerca de los contenidos de esta producción. Sabía, por ejemplo, que había sido rodada en España, circunstancia que despertó mi curiosidad. Conocía también el título que Jarmush había elegido para esta ocasión, que también me intrigó. Recuerdo que cuando lo leí pensé en seguida en William Burroughs y, más concretamente, en aquél ensayo homónimo aparecido en 1975 en el que, a su manera -siempre tan peculiar-, Burroughs nos invitaba a pensar en las palabras como verdaderos agentes del orden, como los principales instrumentos de control. Todo orden -decía Burroughs- toda sugerencia, toda indicación es al fin y al cabo una palabra, sin ellas no hay forma de aplicar el control, ellas son, de hecho, el control mismo.
Los “límites” que nos muestra Jarmush, sin embargo, parecen ir por otros derroteros. Más que con la palabra, aquí nos enfrentamos con la imagen o, mejor dicho, con el proceso de crear imágenes, con la capacidad (y los límites) de formar imaginarios y la posibilidad que éstos tienen de afectar a la realidad.
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La verdadera izquierda de Hollywood (Slavoj Zizek)

Por Slavoj Žižek

300.jpgLa película 300 de Zack Snyder, la saga de los  trescientos soldados espartanos que se sacrificaron en las Termópilas para impedir la  invasión del ejército persa de Jerjes, fue atacada como el peor tipo de militarismo patriótico, en una obvia alusión a las  tensiones recientes con Irán y los sucesos en Irak. ¿Pero en realidad son tan claras las cosas? Más bien, habría que defender la película a toda costa contra esas acusaciones
Hay dos puntos que debemos considerar; el primero tiene que ver con la historia misma. Se trata de la historia de un país pequeño y pobre (Grecia) que ha sido invadido por el ejército de un Estado mucho más grande, y más desarrollado en esa época, que además cuenta con una tecnología militar de avanzada. ¿No son acaso los elefantes persas, los gigantes y las enormes flechas de fuego la antigua versión de las armas de alta tecnología? Cuando el último grupo de sobrevivientes espartanos y su rey Leónidas mueren bajo los cientos de flechas, ¿no son de alguna manera bombardeados a muerte por tecnosoldados que manejan armas sofisticadas a distancia, al igual que los soldados estadounidenses que oprimen botones de cohetes desde lejos, en barcos de guerra bien protegidos en el golfo Pérsico?
Además, las palabras de Jerjes cuando pretende convencer a Leónidas de que acepte la dominación persa no parecen de ningún modo el discurso de un fanático musulmán fundamentalista; trata de someter a Leónidas a través de la seducción, pues le promete la paz y los placeres sensuales si se une al imperio global persa. Lo único que le pide es el gesto formal de arrodillarse ante él, de reconocer la supremacía persa. Si los espartanos hacen esto, se les otorgará autoridad suprema sobre toda Grecia. ¿El presidente Reagan no le exigió lo mismo al gobierno sandinista de Nicaragua? Sólo tenían que decirle “Hola, Tío” a los Estados Unidos…
¿Y no muestran la corte de Jerjes como una especie de paraíso multicultural abierto a diferentes estilos de vida? Todos participan en orgías, diferentes razas, lesbianas, gays, tullidos, inválidos, etcétera. Entonces, ¿los espartanos, con su disciplina y espíritu de sacrificio, no están mucho más cerca de los talibanes que defienden Afganistán contra la ocupación estadounidense (o, de hecho, de la unidad de elite de la Guardia Revolucionaria Iraní, dispuesta a sacrificarse en caso de una invasión estadounidense)?
El arma principal de los griegos contra la avasalladora superioridad militar es la disciplina y el espíritu de sacrificio… Y para citar a Alain Badiou: “ Necesitamos una disciplina popular. Diría incluso… que ‘aquellos que nada tienen sólo tienen su disciplina’. Los pobres, los que no cuentan con medios financieros ni militares, los que carecen de poder, lo único que tienen es su disciplina, la capacidad de actuar en conjunto. Esa disciplina ya es una forma de organización”. En esta época de permisividad hedonista como ideología imperante, ha llegado el momento de que la izquierda se (re)apropie de la disciplina y del espíritu de sacrificio: en estos valores no hay nada intrínsecamente “ fascista”.
Pero esa identidad fundamentalista de los espartanos es aún más ambigua. Una declaración programática hacia el final de la película que define la agenda griega como “ contra el dominio de la mística y de la tiranía, hacia el brillante futuro”, detallada más adelante como el imperio de la libertad y la razón, parece un programa elemental de la Ilustración, ¡incluso con un sesgo comunista!
Recordemos, también, que al comienzo de la película Leónidas rechaza de pleno el mensaje de los “ oráculos” corruptos, según los cuales los dioses prohíben la expedición militar para detener a los persas. Como nos enteramos después, los persas habían sobornado, en efecto, a los “oráculos” que, al parecer, recibían mensajes divinos a través de un trance extático, al igual que el “oráculo” tibetano que, en 1959, le transmitió al Dalai Lama el mensaje de que debía salir del Tíbet, y que –como sabemos hoy– ¡ figuraba en la nómina de la CIA!
¿Y cómo entender el aparente absurdo de la noción de dignidad, libertad y razón, basada en la disciplina militar extrema, que incluía la práctica de eliminar a los niños débiles? Ese “absurdo” no es otra cosa que el precio de la libertad: la libertad no es gratuita, como aparece en la película. Se reconquista a través de una lucha ardua en la que es necesario estar dispuesto a arriesgarlo todo. La despiadada disciplina militar espartana no es simplemente lo contrario de la “ democracia liberal” ateniense; es su condición inherente y constituye sus cimientos: el sujeto libre de la razón sólo puede emerger a través de una cruel autodisciplina. La auténtica libertad no es la libertad de elegir que se ejerce a prudente distancia, como optar por una torta de frutillas o por una torta de chocolate; la verdadera libertad es inseparable de la necesidad. Hacemos una auténtica elección libre en el momento en que la elección pone en juego nuestra propia existencia… y la llevamos a cabo porque, sencillamente, “ no podemos hacer otra cosa”.
Cuando nuestro país se halla bajo ocupación extranjera y nos convoca el líder de la resistencia para que nos unamos a la lucha contra los invasores, la razón que nos da no es “ eres libre de elegir”, sino “¿no te das cuenta de que esto es lo único que puedes hacer si quieres conservar tu dignidad?”. No sorprende, pues, que todos los radicales igualitarios y precursores de la modernidad, desde Rousseau hasta los jacobinos, admiraran a Esparta e imaginaran la República Francesa como una nueva Esparta: hay un núcleo emancipatorio en el espíritu espartano de disciplina militar que se mantiene y perdura, aun cuando le restemos toda la parafernalia histórica del régimen de clases, la explotación brutal de los esclavos sometidos al terror, etcétera.
Mucho más importante es, quizás, el aspecto formal de la película: se filmó en su totalidad en un depósito de Montreal; el paisaje y varios de los personajes y objetos fueron construidos digitalmente. El carácter artificial del fondo parece contagiar a los actores “reales”, que a menudo parecen personajes de historieta (la película está basada en la novela gráfica 300 de Frank Miller).
Además, la naturaleza artificial (digital) del ambiente genera una atmósfera claustrofóbica, como si la historia no sucediera en la realidad “real”, con horizontes infinitos e ilimitados, sino en un “ mundo cerrado”, una especie de mundo en relieve de un espacio cerrado. Desde el punto de vista estético, la película es superior a La guerra de las galaxias y la serie de El señor de los anillos : a pesar de que también en esas series varios objetos y personas fueron creados digitalmente, la impresión que causan es, no obstante, la de actores digitales (y reales) y objetos (elefantes, Yoda, Urks, palacios, etcétera.) ubicados en un mundo “real”; en 300, por el contrario, todos los protagonistas son actores “reales” ubicados en un fondo artificial; la combinación produce el efecto de un mundo “cerrado” mucho más siniestro, una mezcla “cyborg” de personas reales integradas en un mundo artificial. Pero sólo en 300 la combinación de actores “reales”, objetos y fondo digital llega a crear un espacio estético autónomo y nuevo de verdad.

La práctica de combinar artes diferentes, de incluir en un arte la referencia a otro, tiene una larga tradición, en especial con respecto al cine; por ejemplo, en muchos de los cuadros de Hopper, cuyo tema es el de una mujer detrás de una ventana abierta que mira hacia afuera, es clara la mediación de la experiencia del cine (muestra un plano sin su contraplano). Lo que hace notable a 300 es que, en esta película (y no por primera vez, por supuesto, pero de un modo mucho más interesante desde el punto de vista artístico, que, digamos, el Dick Tracy de Warren Beatty), un arte técnicamente más desarrollado (cine digitalizado) remite a uno menos desarrollado (la historieta o cómic). El efecto logrado es el de la “verdadera realidad” que pierde su inocencia y aparece como parte de un universo artificial cerrado, es decir, la figuración perfecta de nuestra problemática socioideológica.
Los críticos que sostienen el fracaso de la “síntesis” de las dos artes en 300 están, pues, equivocados, y precisamente porque tienen razón: por supuesto que falla la “síntesis”, por supuesto que el universo que vemos en la pantalla está atravesado por un profundo antagonismo y una gran inconsistencia, pero ese mismo antagonismo es el signo de la verdad.

*Traducción del inglés: Luz Freire

Publicado en: perfil.com.

http://www.perfil.com/contenidos/2007/05/16/noticia_0003.html

Título original: The True Hollywood Left

http://www.lacan.com/zizhollywood.htm

La Batalla de Seattle (Proyección y Debate)

battle-in-seattle-post.jpgEl próximo Jueves Enmedio proyectaremos la película Battle in Seattle (La batalla de Seattle). Una película de acción y drama, basada en los hechos reales acontecidos en Seattle en noviembre de 1999 durante el encuentro de la Organización Mundial del Comercio (OMC). Unos 100.000 manifestantes tomaron por asalto la calle en protesta contra la poderosa organización supranacional. Lo que comenzó como una protesta tranquila, reivindicando el cese de las conferencias de la OMC, se convirtió en la imagen que sirvió como pistoletazo de inicio a un nuevo movimiento político a nivel global: el movimiento antiglobalización. Con el visionado de esta película (recién estrenada en las salas de cine), queremos entablar un debate que enfrente, entre otras cuestiones, las siguientes preguntas: ¿qué ha pasado en estos 9 años, cómo ha cambiado el mundo -y nuestras vidas- desde Seattle hasta ahora?, ¿cuáles han sido los cambios sociales y políticos más significativos?, ¿en qué ha quedado la fuerza del movimiento antiglobalización?, ¿se ha transformado, ha desaparecido?, ¿qué sucede cuando una lucha en la que muchos de nosotros hemos participado, es representada desde la industria cinematográfica?, ¿nos identificamos con estas representaciones?, ¿qué podemos extraer de ellas?.
Para el debate, contaremos con la presencia de algunos activistas muy activos en dicho movimiento.

Entender la crisis económica echándote unas risas. [Vídeo]

Hay quien asegura que lo mejor que tienen las ingleses es su humor. No seré yo quien lo niegue, este vídeo parece corroborar dicha hipótesis. Échale un vistazo, no pararás de reírte y una vez terminado, quizá descubras que has entendido mejor que nunca de qué van realmente las crisis económicas.

Enmedio conecta en directo con “Robin Banks” [Vídeo]

(25 minutos de duración aproximadamente).

En el último Jueves Enmedio (16 de Octubre, 2008), un mes después de llevar a cabo su acción, Enric Durán -alias “Robin Bank”-,mantiene desde algún lugar desconocido una conexión telefónica en directo con toda la gente reunida en el local de Enmedio .
Mediante las preguntas emitidas por los allí presentes, Enric habla de la crisis económica , de la repercisión mediática de su acción y de sus intenciones futuras.
Nota: Enric Durán es el activista que ha conseguido liberar casi 500.000 € de varias entidades bancarias y que, según ha explicado a los medios de comunicación, en vez de devolverlos piensa invertirlos en “proyectos sociales que hagan frente a la crisis económica”.